ポスト・クラシカル入門——クラシックとエレクトロニカの静かな交差点

ポスト・クラシカルとは、クラシックの楽器と書法を、エレクトロニカ以後の録音感覚で鳴らす音楽の総称である。核心にあるのは音数の多さではなく静けさの設計で、マックス・リヒターやニルス・フラームらが2000年代に潮流を作った。定義と系譜、名盤10枚、作業や睡眠との付き合い方までを案内する。

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ポスト・クラシカルとは何か——定義と輪郭

まず言葉の整理から始めたい。ポスト・クラシカルという呼び名は学術用語ではなく、モダン・クラシカル、インディー・クラシカル、ネオクラシカルなど、ほぼ同じ領域を指す名前がいくつも併存している。共通するのは、クラシックの教育や語彙を持つ作曲家=演奏家が、コンサートホールの制度ではなく、インディー・ミュージックの回路——小さなレーベル、ライブハウス、自宅スタジオ、ストリーミング——で活動するという構図である。楽譜より録音が作品の本体であり、マイクの距離やテープの質感までもが作曲の一部になる。ここがまず、従来の現代音楽と決定的に異なる。

音の特徴を挙げるなら、第一にピアノと弦楽を中心とした小さな編成、第二に電子音響との混合、第三に徹底した弱音志向である。旋律は単純で反復的、和声は調性的で、前衛音楽のような聴取の困難はほとんどない。その平明さゆえに「BGMにすぎない」と批判されることもあるが、優れた作品群が共有しているのは、静けさをどう構築するかという明確な問題意識だ。強い音を書かないことと、静けさを書くことは違う。この違いにこそ、ジャンルの批評的な核心がある。

制度面では、レーベルの役割が大きい。2001年に始動した英FatCat傘下の130701は、マックス・リヒターやハウシュカ、ダスティン・オハロランらを送り出してこの音楽の最初の受け皿となり、2007年にロンドンで設立されたErased Tapesは、アルナルズやフラームを擁してジャンルの美学を決定づけた。アイスランドではヴァルゲイル・シグルズソンのBedroom Communityが独自の生態系を作り、やがて名門ドイツ・グラモフォンまでもがリヒターらと組むようになる。クラシックの権威とインディーの機動力が合流する地点に、この音楽の現在地がある。

なお、この潮流は欧米だけのものではない。日本でも、小瀬村晶が主宰するレーベルScholeやharuka nakamuraらが2000年代後半から近い感触の音楽を育てており、坂本龍一という巨大な先達もいる。ピアノの弱音や環境音への感度という点で、日本の作り手とリスナーは、このジャンルの周縁ではなくれっきとした当事者であり続けている。

なお、「ポスト・クラシカル」という名が「クラシックの次」を意味するのかどうかは、あまり深刻に考えなくていい。実態としてこれは、クラシックの未来を担う運動というより、静けさと余白を求めるリスナーの現在に応える音楽である。クラシックの側から見れば周縁でも、「静かな音楽」の歴史から見れば、まぎれもない本流なのだ。

系譜——サティからペルト、グレツキまで

ポスト・クラシカルの家系図を遡ると、最初に立っているのはエリック・サティである。1888年の「ジムノペディ」は、単純な伴奏音型の上を歌の重力を持たない旋律が漂う音楽で、以後のあらゆる「静かなピアノ」の原型になった。さらにサティは1920年、聴かれないための音楽「家具の音楽」を提唱する。音楽は必ずしも傾聴を要求しなくてよい、生活の中に置かれてよい——この思想は、半世紀後にブライアン・イーノがアンビエントとして定式化し、現代のポスト・クラシカルが引き継ぐことになる。イーノが1975年に立ち上げたObscureレーベルから、ギャヴィン・ブライアーズ『タイタニック号の沈没』のような静かな実験が世に出たことは、両ジャンルの血縁を示す好例だろう。同じ水脈では、イーノと共作を重ねたハロルド・バッドが、ペダルの霧に沈むようなピアノでアンビエントと室内楽の橋を早くから架けていた。ポスト・クラシカルのフェルト・ピアノは、バッドの残響の末裔でもある。

第二の水源は、1960年代以降のミニマル・ミュージックである。スティーヴ・ライヒやフィリップ・グラスが確立した反復の技法は、和声の物語ではなく状態の持続として音楽を組み立てる感覚を一般化した。ポスト・クラシカルの多くの曲が「展開しない」ことを恐れないのは、この遺産による。そして第三の、おそらく精神面で最大の水源が、東欧の「聖なるミニマリズム」だ。エストニアのアルヴォ・ペルトは1976年、鐘の響きを思わせる「ティンティナブリ様式」を「Für Alina」で確立し、「Spiegel im Spiegel」(1978)などで、限りなく音数の少ない敬虔な音楽を作り上げた。ペルトは存命の作曲家として世界でもっとも演奏される一人としばしば言われ、その録音の多くを担ったECMレーベルの静謐な美学とともに、後続世代の羅針盤になっている。

もうひとつ、事件と呼ぶべき出来事がある。ポーランドのヘンリク・グレツキが1976年に書いた交響曲第3番「悲歌のシンフォニー」は、1992年に発表されたドーン・アップショウ独唱、デイヴィッド・ジンマン指揮の録音が英国のポップ・チャートを駆け上がる異例のヒットとなり、世界で100万枚を超えたとも言われるセールスを記録した。現代音楽=難解という等式が崩れ、深い悲しみと慰めの音楽を大衆が求めているという事実が、市場の言葉で証明されたのである。2000年代にポスト・クラシカルが登場したとき、その受け皿はすでにこうして耕されていた。

つまりポスト・クラシカルは、突然変異ではない。サティの「聴かれない音楽」、ミニマリズムの反復、ペルトとグレツキの敬虔な静けさ、そしてイーノ以後のスタジオ感覚。これらの支流が、インターネットとインディー・レーベルという新しい河床で合流したのが、この音楽なのである。

マックス・リヒターと『Sleep』の思想

この合流点にもっとも自覚的に立った作曲家が、マックス・リヒターである。ドイツに生まれ英国で育ったリヒターは、クラシックの正規教育を受けたのち、2002年の『Memoryhouse』と2004年の『The Blue Notebooks』で、その後のジャンルの設計図となる音楽を提示した。特に後者は、イラク戦争開戦の影の下で録音され、ティルダ・スウィントンの朗読とピアノ、弦楽、電子音を編み合わせた抗議と癒しの書物のような作品である。収録曲「On the Nature of Daylight」は、のちに映画『メッセージ』などで使われ、21世紀でもっとも広く聴かれた弦楽曲のひとつになった。悲しみの形をした慰め、という本作の均衡は、いまなおジャンル全体の到達点である。

リヒターの重要性は、美しい曲を書いたことだけではない。2012年の『Recomposed by Max Richter: Vivaldi – The Four Seasons』では、ヴィヴァルディ「四季」を大胆に書き換え、クラシックの正典を録音の時代の感覚で再構成してみせた。名門ドイツ・グラモフォンがこの試みを引き受けた事実も含めて、クラシックとポスト・クラシカルの制度的な壁に穴を開けた仕事だった。

そして2015年、リヒターは『Sleep』を発表する。全長8時間半におよぶ、眠る聴衆のための音楽である。神経科学者デイヴィッド・イーグルマンの助言を得ながら、睡眠の周期に寄り添うよう設計されたこの作品は、ベッドを並べた会場での徹夜公演という前代未聞の形式で上演され、ラジオでの全曲放送は単一作品の生放送として史上最長級と報じられた。抜粋版『from Sleep』も用意され、いまでは睡眠用プレイリストの定番となっている。

『Sleep』の思想的な核心は、「聴かれていない時間も音楽は働く」という命題を、真正面から引き受けたことにある。サティの家具の音楽が冗談めいた挑発だったとすれば、リヒターのそれは、加速する情報環境への明確な異議申し立てだ。本人はこの作品を、めまぐるしい世界のための子守唄であり、休息という失われつつある権利のための音楽だと繰り返し語っている。眠りながら聴くことは、音楽の敗北ではない。注意を奪い合う経済の外側に、8時間半の避難所を建てること。ポスト・クラシカルの静けさが単なる作風ではなく思想でありうることを、『Sleep』は証明したのである。

『Sleep』はまた、聴き手の生活時間に合わせて作品の長さを設計するという点で、のちの生成音楽やスリープ・タイマー付きの配信体験を先取りしてもいた。作品の単位は曲でもアルバムでもなく、一晩でありうる。この提案の射程は、発表から10年を経たいまも測り終えられていない。

静けさの作り手たち——四つの肖像

リヒターと並んで、このジャンルの輪郭を作った作家たちを短い肖像で紹介する。それぞれ出発点も方法もまったく違うことが、ジャンルの豊かさの証明になっている。

オーラヴル・アルナルズ

1986年生まれのアイスランド人で、出発点はハードコア・バンドのドラマーという異色の経歴を持つ。設立間もないErased Tapesと組んだ『Eulogy for Evolution』(2007)以来、ピアノと弦楽四重奏に繊細なエレクトロニクスを重ねる作風でジャンルの顔となった。英ドラマ『ブロードチャーチ』の音楽で英国アカデミー賞(BAFTA)を受け、テクノ・デュオのKiasmosでは踊れるミニマリズムも追求する。『re:member』(2018)では、演奏に反応して自動演奏ピアノ2台が伴走する自作ソフトウェア「Stratus」を導入し、アルゴリズムと弱音の共存という新しい主題を開いた。冷たい機材と温かい和声のあいだで、常に体温を失わないことがこの人の美点である。

ニルス・フラーム

1982年ハンブルク生まれ、ベルリンを拠点とするピアニスト=エンジニア。深夜の自宅で隣人を起こさないよう、ハンマーにフェルトを挟んだピアノを至近距離のマイクで録った『Felt』(2011)は、弱音とノイズをめぐるジャンルの美学を決定づけた。親指を骨折した期間に9本の指のために書いた小品集『Screws』のような機知もあれば、ベルリンの放送局跡地フンクハウスに自らスタジオを建設して録音した『All Melody』(2018)のような大伽藍もある。楽器と録音技術への偏執的な愛情で知られ、鍵盤楽器の祭日「ピアノ・デイ」(1年の88日目)の発起人でもある。ライブでは即興的にシンセサイザーとピアノの森を行き来し、静けさがそのまま祝祭になりうることを教えてくれる。

ヨハン・ヨハンソン

1969年レイキャビク生まれ、2018年にベルリンで急逝したアイスランドの作曲家。デビュー作『Englabörn』(2002)から、弦楽と電子音響を混ぜる手つきには喪の気配が漂っていた。父がアイスランドのIBMで技師を務めた縁から、退役するメインフレーム計算機の電磁音を素材にした『IBM 1401, A User’s Manual』(2006)、フォードがアマゾンに建設した幻の企業都市を主題にした『Fordlândia』(2008)など、テクノロジーの廃墟を悼むコンセプト作を残す。映画音楽では『博士と彼女のセオリー』でゴールデングローブ賞を受け、『ボーダーライン』『メッセージ』で現代映画音楽の語法を書き換えた。その仕事は、のちに『ジョーカー』でアカデミー賞を受けるヒドゥル・グドナドッティルら次世代へ引き継がれている。ポスト・クラシカルの「深い闇」を担った人である。

ハウシュカ

本名フォルカー・ベルテルマン、デュッセルドルフを拠点とするドイツの作曲家=ピアニスト。ピアノの弦にフェルトやテープ、ピンポン球やボトルキャップを挟んで音色を変える「プリペアド・ピアノ」を現代に蘇らせ、『Ferndorf』(2008)や『Salon des Amateurs』(2011)で、いたずらとダンスと郷愁が同居する独自の世界を築いた。ヴァイオリニストのヒラリー・ハーンとの共作『Silfra』など越境にも積極的で、映画『LION/ライオン』の音楽でアカデミー賞候補となり、2023年には『西部戦線異状なし』で作曲賞を受賞するに至った。ポスト・クラシカルの遊戯的側面と、その先にある職業的完成度の両方を体現する存在である。

ピアノと弱音の美学——ノイズは敵ではない

ポスト・クラシカルの音を特徴づける最大の要素は、ピアノの扱いにある。コンサート・グランドの輝かしいフォルテではなく、フェルトで減衰させた綿のような音、アップライトの木の匂いがするような音。マイクは弦とハンマーのすぐそばに置かれ、ペダルのきしみ、椅子の軋み、奏者の呼吸、部屋の空調までもが録音に含まれる。従来のクラシック録音が排除しようとしたこれらの「ノイズ」を、このジャンルは音楽の一部として招き入れた。ここには美学の転換がある。完璧な演奏の記録ではなく、演奏が起きた部屋の時間まるごとの記録。聴き手が受け取るのは音符だけでなく、深夜の部屋の親密さそのものである。

この美学を象徴するのがフェルト・ピアノだ。もともとは音量を絞るための実用的な仕掛け——フラームの『Felt』は文字通り隣人への配慮から生まれた——だったものが、いまや一つの標準音色になり、各社の音源ソフトにまで収録されている。さらにフラームは、ピアノ製作家ダーヴィッド・クラヴィンスと組んで、各鍵に弦を一本だけ張った「ウナ・コルダ」という新楽器を作らせてもいる。弱く弾くための技術ではなく、弱さそのものを楽器として設計する。この徹底ぶりは、ジャンルの志の高さを示している。

弱音の美学には、聴取の側の転換も含まれている。音量が小さく、変化が緩やかな音楽では、聴き手の耳は自然と細部へ潜っていく。減衰していく倍音、ペダルを離す瞬間の空気、フレーズとフレーズのあいだの休止。大きな音楽では聞こえなかった層が、静けさの中でだけ開示される。当ブログがいつも書いている「そこにない音を聴く」という体験に、録音芸術の側からもっとも接近しているのが、このジャンルだと言ってもいい。

もちろん、危うさもある。弱音とノイズの意匠は模倣が容易で、ストリーミングには「それらしい」音源が無数に流通している。フェルトの質感さえあれば静けさが宿るわけではない。優れた作品を聴き分ける手がかりは、沈黙の設計——音が置かれていない時間に緊張が保たれているか——にある。名盤と呼ばれる作品群は、例外なくこの試験に合格している。

映画とテレビが運んだ静けさ

ポスト・クラシカルが世界的な聴衆を得た最大の回路は、映像だった。ヨハンソンの『博士と彼女のセオリー』や『メッセージ』、ハウシュカとダスティン・オハロランが共作した『LION/ライオン』、アルナルズの『ブロードチャーチ』、そして各国のドラマやドキュメンタリーで鳴り続けるリヒター。ピアノと弦の静かな反復は、台詞を邪魔せず、感情の輪郭だけを縁取り、説明しすぎない。映像音楽に求められる美徳と、このジャンルの美学が、ほとんど完全に一致していたのである。リヒターが音楽を担った米ドラマ『The Leftovers』のように、連続劇の長い時間の中で反復されるピアノの主題が、視聴者の感情の記憶装置として働いた例もある。

象徴的なのは、ドゥニ・ヴィルヌーヴ監督『メッセージ』におけるリヒター「On the Nature of Daylight」の使われ方だ。物語の冒頭と結末に同じ曲が置かれることで、時間の円環という映画の主題そのものを音楽が担った。既存曲がここまで構造的な役割を果たす例は稀であり、ポスト・クラシカルが「劇伴」を超えて映画の思想に参加しうることを示した事件だった。

映像との蜜月は、ジャンルの経済も変えた。サウンドトラック経由で作家名を知ったリスナーがアルバムへ遡り、ストリーミングの巨大な「静かなピアノ」系プレイリストがそれを受け止める。数百万人規模のフォロワーを持つプレイリストの存在は、静かな器楽曲が現代でもっとも「聴かれる」音楽形式のひとつになったことを意味する。一方で、プレイリスト最適化された没個性な量産曲がジャンルの水位を下げているという批判も根強い。映像とプレイリストは強力な運び手だが、運ばれてきた先で立ち止まり、アルバムという単位で作家の思考を聴くこと。それがこの音楽への最良の礼儀だと思う。

名盤10枚——静かな交差点への入口

以下、おおよそ年代順に10枚を挙げる。系譜の源流にあたる2枚から現代までを一筆書きでたどれる並びにした。どれも夜の小さな音量でこそ真価を発揮する。

アルヴォ・ペルト『Tabula Rasa』(1984)

「聖なるミニマリズム」の羅針盤にして、ECMのクラシック部門の記念すべき第1作。ヴァイオリンとピアノが祈りのように交わす「Fratres」、鐘の余韻だけで築かれたような表題曲など、音数の少なさが精神の密度に直結する瞬間が刻まれている。ポスト・クラシカルの作家たちが繰り返し立ち返る原点であり、このジャンルを聴くうえでの背骨になる一枚。録音の静けさまで含めて、完璧である。

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ヘンリク・グレツキ『交響曲第3番「悲歌のシンフォニー」』(1992年録音盤)

現代音楽としては異例の世界的ヒットとなった、20世紀後半の慰めの音楽の金字塔。遅いテンポの弦楽の層がゆっくりと満ち引きし、ソプラノの祈りがその上に浮かぶ。難解さは皆無だが、軽くもない。深い悲しみを排除せずに抱きとめる音楽が、これほど広く求められたという事実そのものが、ポスト・クラシカル前夜の重要な証言である。夜、言葉を失った日にこそ聴きたい。

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マックス・リヒター『The Blue Notebooks』(2004)

ジャンルの設計図と呼ぶべき一枚。ピアノと弦楽、電子音、ティルダ・スウィントンの朗読が、戦争の時代への静かな異議として編まれている。「On the Nature of Daylight」の悲痛な美しさは言うまでもないが、アルバム全体を通して聴いたときの、書物を読み終えるような余韻こそが本体だ。ポスト・クラシカルが「きれいな音楽」ではなく「考える音楽」であることを、最初に証明した作品である。

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ヨハン・ヨハンソン『IBM 1401, A User’s Manual』(2006)

退役するメインフレーム計算機の電磁音と弦楽オーケストラによる、テクノロジーへの鎮魂歌。父が保守していた機械の記録音源を素材に、人間と機械の別れという主題を、感傷に溺れない距離感で描き切る。弦の持続の下でかすかに明滅する機械音は、「そこにあったのに誰も聴いていなかった音」の墓碑でもある。コンセプト・アルバムとしての完成度で、ジャンル屈指の一枚。

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ハウシュカ『Ferndorf』(2008)

作曲者が幼少期を過ごした村の名を冠した、プリペアド・ピアノによる郷愁の音楽。弦に異物を挟まれたピアノは、ガムランのようにも玩具のようにも鳴り、チェロやヴァイオリンと戯れながら、失われた風景の記憶をスケッチしていく。実験的な手法を使いながら、聴後感はどこまでも温かい。静けさは必ずしも無彩色ではないことを教えてくれる、ジャンルの中の愉快な隣人である。

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A Winged Victory for the Sullen『A Winged Victory for the Sullen』(2011)

ダスティン・オハロランと、ドローンの巨匠アダム・ウィルツィー(Stars of the Lid)による共作。ピアノの弱音と弦、持続音が溶け合い、アンビエントとポスト・クラシカルの境界線上に、大聖堂のような広さの静寂を築く。テンポはほとんど脈拍以下で、時間の流れが変わるのが体感できるはずだ。眠りの手前の音楽として、また深夜の思索の伴走として、代えの利かない一枚。

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ニルス・フラーム『Felt』(2011)

フェルトを挟んだピアノを至近距離で録音した、弱音の美学の教科書。ハンマーの打撃音、ペダルの軋み、部屋の暗騒音までもが音楽に編み込まれ、聴き手はベルリンの深夜の部屋に招き入れられる。旋律の美しさと、それを包む「録音された静けさ」の二重奏こそが本作の主題だ。ヘッドホンで小さな音量で聴くと、ノイズという言葉の意味が変わってしまう。ジャンル全体の音色感を決めた歴史的な一枚である。

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坂本龍一『async』(2017)

大病からの復帰後に発表された、日本から世界のポスト・クラシカル/アンビエント地図に刻まれた到達点。調律の狂ったピアノ、雨や街の環境音、シンセサイザーの持続が「非同期(async)」のまま併置され、整えられた美しさの手前で音が音のまま存在することを許されている。設置音楽と呼ばれる展示形式でも提示され、聴くことと居ることの境界を問うた。武満徹以来の「日本的な間」の系譜を、最新の録音思想で更新した作品として、本ブログの読者には特に勧めたい。

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オーラヴル・アルナルズ『re:member』(2018)

自作ソフトウェア「Stratus」が生成するピアノの応答と、人間の演奏が対話する意欲作。アルゴリズムという冷たい言葉から想像されるものとは正反対に、音楽は雨上がりのように瑞々しく、弦楽が差し込むたびに視界が開ける。テクノロジーを静けさの敵ではなく共作者として迎える態度は、ジャンルの未来形のひとつだろう。ハードコア出身の作家が最先端の楽器で作った、もっとも人間的なアルバムである。

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ハニア・ラニ『Esja』(2019)

ポーランドの新世代を代表するピアニストによる、ソロ・ピアノのデビュー作。マンチェスターのGondwanaから発表された本作は、装飾を削ぎ落とした反復と、息づかいの聞こえる録音で、フェルト・ピアノ以後の美学を鮮やかに更新した。都市の名を冠した曲たちは、散文詩のように短く、歩く速度で進む。ジャンルの入口として最適であると同時に、この音楽がすでに次の世代へ受け継がれていることの証明でもある。

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作業・睡眠・読書との相性——「ながら聴き」の作法

ポスト・クラシカルは、集中作業や眠り、読書の伴走音楽として広く使われている。これをジャンルの堕落と見る向きもあるが、私はそう思わない。サティの家具の音楽からリヒターの『Sleep』まで、この系譜はそもそも「生活の中に置かれる音楽」を正面から引き受けてきた。傾聴だけが音楽への敬意ではない。ただし、使い方には少しだけ作法がある。

作業との相性で言えば、鍵になるのは変化の緩やかさと歌詞の不在である。展開の大きい曲や感情の起伏が激しい曲は、かえって注意を持っていかれる。『re:member』や『All Melody』のような、一定の脈拍で進む作品が向いている。音量は「意識すれば聞こえる」程度まで絞るのがコツで、音楽を注意の背景に沈めることで、思考のリズムだけが残る。逆に、ヨハンソンの暗いコンセプト作のような重量級は、作業用には向かない。あれは手を止めて聴くための音楽である。

睡眠との相性は、このジャンルの独壇場だ。『Sleep』やA Winged Victory for the Sullenのような持続中心の作品は、入眠時の思考のループを緩やかにほどいてくれる。実践的には、タイマーで再生を止めるより、音量を極小にして流しっぱなしにするほうが、途切れの違和感で目が覚めにくい。ペルトの静かな作品群も夜に合うが、あの音楽の緊張は本来眠るためのものではないので、祈りと子守唄は区別しておきたい。

読書との相性では、本の密度と音楽の密度を合わせるのが心地よい。小説には物語の邪魔をしない『Felt』や『Esja』のようなソロ・ピアノを、詩や批評のような立ち止まる読書には『The Blue Notebooks』のような思索的な作品を。そして最後にもう一度だけ繰り返すと、どの用途で聴くにせよ、気に入った一枚が見つかったら、一度だけ「何もしないで聴く」時間を作ってみてほしい。ながら聴きで撫でていた音楽の中に、ペダルの軋みや減衰の尻尾といった無数の細部——そこにあったのに聴いていなかった音——が見つかるはずである。その発見以後、ながら聴きの時間さえも少し豊かになる。

まとめ

ポスト・クラシカルは、クラシックとエレクトロニカの静かな交差点に生まれた、録音時代の室内楽である。サティの「聴かれない音楽」とミニマリズムの反復、ペルトとグレツキの敬虔、イーノ以後のスタジオ感覚が合流し、リヒターが設計図を描き、アルナルズ、フラーム、ヨハンソン、ハウシュカらがそれぞれの方言で豊かにした。フェルトのくぐもり、テープの息、ペダルのきしみ。このジャンルが愛するのは完璧な強音ではなく、消えていく音の尻尾であり、音が置かれなかった時間の緊張である。名盤10枚はどれも、その静けさの設計を確かめるための入口にすぎない。作業の背景でも、眠りの底でも、この音楽は働いてくれる。だが時おり、すべてを止めて弱音の内側に耳を澄ますとき、ポスト・クラシカルは最良の姿を見せる。鳴っている音の向こうの、そこにない音まで聴かせてくれるのだ。

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